Atelier de dessin de l'Académie de Tournai

Retrospective de dessins de Richard Serra

2011-12-19T06:30:00.000-08:00

October 15, 2011 - January 16, 2012

Richard Serra's massive steel sculptures have made him one of the key figures in contemporary art, but his work also takes another striking form: drawing. This first-ever retrospective of Serra's drawings is a chance to see this major artist's work from an entirely new angle. The exhibition traces Serra's evolving ideas and methods since the 1970s, when he began making wall-size abstractions that radically altered the relationship between drawing and architectural space. Serra uses black paintstick to build stark, densely layered forms that manipulate the viewer's sense of mass and gravity, making for an experience that is as visceral as it is visual. The SFMOMA presentation also features a selection of the artist's earliest sculptures in lead, rubber, and fiberglass, demonstrating the vital connection between the processes of sculpting and drawing in Serra's art.

Source: http://www.sfmoma.org/exhib_events/exhibitions/421#ixzz1gzUFR0L7

San Francisco Museum of Modern Art

Biënnale de Lyon : Une terrible beauté est née

2011-12-19T06:04:00.000-08:00

Elly Strik

Pour la 11e édition de la Biennale de Lyon, historiquement une biennale d’auteur, j'ai

choisi de faire ce que font les artistes – d’avancer à l’aveugle, dans le noir, sans savoir si

celui-ci s’éclaircira ou non au cours de ma progression, pas à pas et d’oeuvre en oeuvre,

de me laisser influencer par mes obsessions, mes intuitions et mes frayeurs, et d’être

guidée par les indices et les provocations que les artistes conviés ont semé sur ma route

– sur notre route. J’ai voyagé et fait en sorte que cette exposition parle tout à la fois de

l’incertitude du présent et de son proche avenir, qu’elle parle de la condition de l’artiste

et de l’absolue nécessité de l’art, tout en restant ouverte au doute, à la contradiction et à

la perplexité, au changement et au mouvement. Cette exposition est née des convictions

et interrogations suivantes :

Christian Lhopital

1 L'imagination est le support de la connaissance. Nous partageons

avec Oscar Wilde chacune de ses célèbres épigrammes

: la fonction de l'artiste est d'inventer et non d'enregistrer

; le plaisir suprême de la littérature est de réaliser

l’inexistant ; et je plaide pour le mensonge dans l’art. Cela

signifie que l’art doit prendre ses distances à l’égard du réel

pour exister en tant que tel – en tant que construction artificielle

– et pour répondre en retour, et avec éloquence, à la

complexité du réel.

2 L’imagination permet au rationnel et à l’irrationnel de cohabiter

avec la plus grande productivité. L’artifice de l’art se

crée en réunissant ou en opposant des méthodologies très

diverses, qu’elles soient rationnelles (ainsi, le retour aux

notions modernes de sciences et d’encyclopédie) ou irrationnelles

(ainsi, l’appel au mysticisme, à la fantasmagorie, à

l’hallucination, au délire, au jeu et au hasard, jusqu’à l’abandon).

3 L’imagination permet à l’individu de prendre des risques, de

repousser ses limites et d’explorer, avec ou sans intention

intellectuelle, les gestes et les pratiques qui sont autant d’alternatives

au présent – et donc de construire des utopies

alternatives.

4 L’imagination est la première des émancipations.

5 La liberté peut prendre différentes formes dans l’art : l’interrogation

du présent, la création d’un monde alternatif, la destruction

constructive des discours et des langages établis.

Cette destruction constructive rejoint l’imagination et fait de

l’absurde, du délire et de l’humour des outils d’émancipation

du langage.

Marlene Dumas

6 Dans son poème Pâques, 1916, le poète W. B. Yeats s’interroge sur son propre

présent et analyse avec la plus grande incertitude la révolte des Irlandais revendiquant

leur émancipation du joug britannique. À première vue, le poème semble célébrer

les martyrs qui donnèrent leurs vies pour l’indépendance. Mais en y regardant

de plus près, il est évident que le narrateur doute. Comme l’affirme Carlos Gamerro

dans l’essai qu’il publie pour le catalogue de la Biennale de Lyon 2011, le poème,

troublant, oscille entre affirmation, interrogation et négation, sans jamais prendre

parti. Cette Biennale est pénétrée de ce sentiment qui nous laisse incapable de

juger de l’évidence d’un présent. Nous préférons répondre, deviner et nous contredire

en toute liberté.

7 Une terrible beauté est née, le fameux vers du poème de Yeats qui donne son titre

à la Biennale, rassemble deux idées apparemment opposées – c’est cette contradiction

productive qui nous intéresse ici.

8 Pourquoi est-il nécessaire d’interroger une fois encore cette notion de beauté ?

La beauté est depuis toujours l’un des paramètres les plus violents et les plus

arbitraires de la pensée occidentale. Interrogeons-nous : la Beauté – au sens de

R. M. Rilke – est-elle toujours le début de la terreur ? Y a-t-il une beauté qui ne

soit pas terrible ? L’émergence de la beauté adoucit-elle la brutalité du réel ou n’en

renforce-t-elle pas au contraire les horreurs ?

9 Cette Biennale est une réponse à ces questions et ces mécanismes en ce qu’elle

orchestre les tensions, les vides et les excès sur lesquels s’appuient les artistes en

réaction au présent. Dans sa mise en scène, la Biennale emprunte à la philosophie,

au théâtre et à la littérature. La scène, le jeu, le dévoilement, la dissimulation ou le

travestissement s’infiltrent partout dans la Biennale. La charte graphique conçue

pour elle par l’artiste Erick Beltrán en est d’ailleurs un exemple. L’exposition invite

ainsi la fiction à se développer et à commenter les contradictions du présent.

10 Cette Biennale entend répondre à l’actuelle confusion de l’art, à une époque où

celui-ci est principalement considéré comme un produit de marché. Ici, nous

cherchons à élaborer une exposition conçue comme un réseau au sein duquel

les oeuvres communiquent entre elles, en créant du sens et en prenant position à

l’égard du monde.

Virginia Chihota

11 à la suite de Wilde, cette exposition ne cherche pas à témoigner ; elle distingue l’art

du journalisme.

12 Elle distingue également l’art de la communication. Cette Biennale s’efforce de

résister aux modes de communication courants qui exigent d’une exposition qu’elle

soit soumise à un communiqué rédigé sur le même ton et empruntant un vocabulaire

commun aux quatre coins du monde. Nous résistons à la nécessité d’expliquer

la densité. Si des textes doivent être publiés dans le cadre de la Biennale ou dans

son catalogue, ils le seront au titre d’oeuvres d’art et pas en tant que textes étroitement

explicatifs.

13 Depuis l’Antiquité, les mots étaient par-dessus tout des images et les images, des

mots. Ecrire, c’était faire image. Les unes et les autres incarnaient un sens et une

action. La création d’une image suppose dorénavant la possibilité d’une action qui

prenne place dans le réel. C’est cette action performative que nous souhaitons

susciter.

14 Chaque image a un effet, et cette exposition est conçue comme une réflexion sur

ces effets. Nous partageons les réflexions de W. J. T. Mitchell en choisissant de

nous interroger sur le désir et le faire des images, sur ce qu’elles véhiculent et comment,

plutôt que sur ce qu’elles représentent. Nous souhaitons montrer le pouvoir

des images, un pouvoir capable de modifier de façon radicale l’ordre établi. À cet

égard, nous croyons à l’importance de la création de l’image aussi fictionnelle, rare

ou travestie qu’elle puisse paraître, en tant qu’action qui permet à son créateur de

mettre en scène sa propre position idéologique.

15 Nous souhaitons nous interroger sur le pouvoir de la ligne en tant qu’outil de démarcation

du territoire et de représentation d’une position dans le temps, dans l’espace

et dans l’idéologie.

16 C’est ainsi que nous souhaitons répondre à la confusion croissante entre art et politique.

Pour nous, l’artiste est avant tout un sujet politique et l’art est politique. Nous

n'avons aucune intention de faire de la politique au sein de l'espace d'exposition ;

un tel désir serait redondant.

17 La 11e Biennale de Lyon a été conçue à Buenos Aires, en Amérique du sud, pour

et avec Lyon. Les artistes exposés ont été conviés durant de nombreux voyages de

recherche en Europe et en Afrique au cours de l’année écoulée. Ils ont été choisis

pour leurs qualités personnelles et non en tant que représentants de leurs pays ou

régions d’origines – faut-il le préciser ?

18 Dans de nombreux cas, les artistes ont été invités à répondre les uns aux autres. Il

leur a ainsi été demandé de résoudre des problèmes spécifiques et de participer

à un dialogue avec d’autres artistes. Cette exposition est par conséquent le fruit

d’une conversation permanente, d’un modus operandi qui croit au pouvoir du dialogue

dans l’élaboration de tout projet.

19 La 11e Biennale de Lyon a l’ambition d’être vivante. Si elle pouvait être considérée

comme un animal ou une créature vivante, elle choisirait de l’être. Si elle peut entrer

en guerre contre elle-même et répondre au caractère inexplicable du présent et à

la puissance de l’art, elle le fera.

La 11e Biennale de Lyon rassemble 60 artistes du monde entier, venus principalement

d'Europe, d'Afrique et d'Amérique latine, et dont les oeuvres sont exposées sur 14 000 m2

dans quatre lieux : La Sucrière, la Fondation Bullukian, le Musée d’art contemporain de

Lyon et l'Usine T.A.S.E.

Eva Kotatkova

RE/PRO/DUCING COMPLEXITY

2011-12-19T05:35:00.000-08:00

Nelleke Beltjens

RE/PRO/DUCING COMPLEXITY presents drawings and drawing-related works by three young women artists from three European countries: by Nelleke Beltjens (°1974, the Netherlands), Hedwig Brouckaert (°1973, Belgium) and Jorinde Voigt (°1977, Germany). In recent years all three artists have emerged on the international scene with demanding and innovative approaches in the medium of drawing.

Hedwig Brouckaert

The fact that our society is characterized by rapidly increasing complexity manifests itself not only in such important sectors as the economy, science and technology, where even experts have trouble keeping abreast of developments. The growth of complexity may be felt on down into our daily lives, changing all areas of life. This constitutes at once both enrichment and mental overload, a broadening of our horizons and a loss of orientation. Beltjens, Brouckaert and Voigt address this theme of complex and intricate reality and the perception of it, each using their own means. Nelleke Beltjens understands her drawings as metaphors for the incomprehensibility of life, human existence and its conditions; Hedwig Brouckaert works with redundant visual material, such as that disseminated by the mass media, which she alienates and “neutralizes” with her selections and layerings; In diagram-like drawings, Jorinde Voigt develops new structures of order and relationships between selected areas of reality, creating spaces for the viewer’s imagination in this way. As different as the respective artistic approaches of the three woman artists are, they are equally highly complex, in keeping with the famous statement by the sociologist and systems theorist Niklas Luhmann who said: “Only complexity can reduce complexity.” Peter Lodermeyer (Bonn, Germany) will be curator of the exhibition.

Jorinde Voigt

du 23.10.2011 au 08.01.2012 Museum D'hondt-Dhaenens,Museumlaan,9831 Deurle

Marcel Miracle : "Voie lactée"

2011-12-05T12:01:00.000-08:00

Marcel Miracle, artiste franco-suisse basé à Lausanne, géologue de formation et inlassable voyageur et arpenteur du désert nous propose une œuvre riche de milliers de dessins, poèmes, livres et collages. Son univers fabuleux, fantasmatique, empreint de chamanisme africain, de poésie et de surréalisme et qui puise chez Perec, Lowry, Giono, Pessoa, Borgès ou Breton nous invite à un voyage à travers le temps.

L'artiste crée de magnifiques unicas, livres et leporellos uniques où il part de rien, d'un souvenir, de rêves. «Breton et les surréalistes sont une famille, mon influence majeure» dit-il. Ils lui ont appris à «laisser de côté la raison, à donner la primauté à l'imaginaire», à procéder par une sorte d'écriture automatique qui laisse parler le subconscient et permet des découvertes à partir desquelles il travaille ensuite. Pour ses collages, il travaille à partir d'objets trouvés dans le désert, dans la rue ou aux puces, «une sorte de récréation» sans référence à la littérature.

Marcel Miracle a ainsi inventé son propre langage visuel pour créer son univers : environ 300 formes archétypales qui balisent la lecture des dessins et participent à la création de sens d'un monde en perpétuelle évolution. Ces signes sont élaborés dans ses «livres de référence» qu'il ne cesse de développer: dans un grand cahier, texte, dessins et collages dialoguent et se simplifient jusqu'à l'essentiel.

à la Galerie Aliceday,Quai au Bois à Brûler, 1000 Bruxelles , du 12/11/2011 au 23/12/2011

TOPOGRAPHIES

2011-10-19T04:48:00.000-07:00

Exposition du 08 au 23 octobre 2011

Oeuvres de Laure Dufouleur et Laurence Henry

Laurence Henry

Comment aller à la rencontre de l’autre ? Comment, au milieu de la foule anonyme, franchir cette barrière qui nous sépare de l’autre ?

Laure Dufouleur

Avec pour dénominateur commun le temps et la géographie des lieux publics investis (marché, brocante ou fête populaire…). Laure DUFOULEUR et Laurence HENRY proposent chacune un dispositif plastique singulier toujours tendu par la possibilité de rencontres interpersonnelles. Chacune à leur façon, elles explorent cette frontière qui sépare l’instant du côtoiement anonyme du moment fortuit de la rencontre.

Au gré de leurs déambulations dans les lieux publics, au gré des instants saisis sur le vif, des objets façonnés et des échanges, se dessine peu à peu une cartographie complexe qui interroge le moment de la rencontre dans ce qu’il a d’incertain et de fragile. Une tentative de créer du lien qui leur permet aussi d’esquisser une sorte de topographie de la rencontre et peut-être plus profondément encore, de questionner ce qui, dans une certaine banalité du quotidien, participe encore et toujours de la création du lien social à notre époque contemporaine.

Réjean Dorval

Laure Dufouleur

à la Galerie Twilightzone, 7500 Tournai

Relief, Relieve, Relive : Réjean Dorval expose

2011-10-19T04:25:00.000-07:00

dessins récents (moyens et grands formats)

Dans le cadre de l'Art dans la Ville (Tournai) Réjean Dorval ,

un ancien de l'atelier de dessin,

présente une série de dessins réalisés en 2011

qu'il articule dans un nouvel espace d'exposition attenant à son atelier.

Exposition visible du vendredi au dimanche de 14h30 à 18h30

du 8 au 23 octobre 2011

18, rue du bourdon Saint-Jacques, 7500 Tournai (Belgique)

Play with us : une exposition des éditions Frémok

2011-10-17T04:44:00.000-07:00

Double Bob"Le chat qui n'a pas de bouche vous aime beaucoup"

Play with us is Yvan Algbé (fr), Alex Barbier (fr), Paz Boïra (es), Frédéric Coché (fr), Olivier Deprez (be), DoubleBob (fr), Vincent Fortemps (be), Dominique Goblet (be), Eric Lambé (be), Jean-Christophe Long (be), Michaël Matthys (be), Thierry Van Hasselt (be).

du 9 au 30 octobre 2011

Rencontres et signatures chaque dimanche à partir de 15h
le 16 Michaël Matthys + DoubleBob
le 23 Dominique Goblet + Eric Lambé
le 30 Vincent Fortemps + Thierry Van Hasselt

Thierry Van Hasselt

Le Frémok propose une plate-forme de projets fondée autour des oeuvres réalisées, réunies ou choisies par l’association sans but lucratif Fréon basée à Bruxelles. Sous le label FRMK, le Frémok publie des ouvrages de littératures graphiques qui vont de la bande dessinée à la poésie visuelle. Par ailleurs, son champ d’action excède le domaine du livre pour se porter vers le spectacle, la performance, l’événement, ou l’installation. Le Frémok est né de la réunion en 2002 des maisons d’édition Amok et Fréon, apparues au début des années 90, créées et animées par des auteurs. On explique généralement son nom par la contraction Fréon+Amok. Ces maisons d’édition ont participé à l’essor des littératures graphiques, aux arts contemporains et à l’action pour la bibliodiversité.

Dominique Goblet

Librairie Saint-Hubert - 2 Galerie du Roi - 1000 Bruxelles

Extended Drawing au Bonnefantenmuseum

2011-09-25T12:06:00.000-07:00

LeWitt,Mangold,Nauman,Serra

18.09.2011 - 15.01.2012

Bonnefantenmuseum,Maastricht

Sol LeWitt

1928 Hartford (CT) – New York City (NY) 2007

Sol LeWitt’s first wall drawing dates from 1968 and was created in the Paula Cooper Gallery in New York. Creating a wall drawing was a sudden, radical, but for LeWitt logical switch from three-dimensional to two-dimensional. He had suddenly found a method whereby he could escape the limitations of paper and canvas, but even more importantly he could work directly on the wall (or floor) without the intervention of a support (canvas or paper). In his own work, he thus changed the role of drawing as a modest medium into drawing on a large scale in architectural spaces.

He also changed drawing’s significance as the most intimate form of artistic expression, as Sol LeWitt did not execute his wall drawings himself. They were carried out by a team of assistants, albeit in accordance with the artist’s strictly set methods and designs. The most important thing is that the personal style of the makers was made as anonymous as possible, and over the years his crew developed all sorts of complicated techniques for doing so. Of course, every execution is different in appearance to the previous one, as the group of assistants inevitably put their mark on it, but this was not a problem for the artist, as long as the team kept to his guidelines and did not try to make it into a different art work. Sol LeWitt himself said that he saw it as a collaboration between the artist and the makers, comparing it to the performance of a piece of music. It is their interpretation of his work.

Sol LeWitt

Executing the wall drawings demands a lot of time and patience. The walls are carefully prepared and given the correct ground coats. The acrylic or latex top coat is applied in several layers using a special technique of crosswise brushstrokes. Lines and areas are marked with tape, and then paper templates are used. It is an extremely labour-intensive method that must also be executed with great precision. The paint layers are built up in a way that no differences in thickness are visible, and the final result must be completely flat.

Robert Mangold

1937 North Tonawanda (NY) – Washingtonville (NY)

The generation to which Mangold belongs is influenced strongly by the Abstract Expressionism of artists such as Barnett Newman. Movements like Minimal and Conceptual Art arose in reaction to this.

In his work, Mangold has always adhered to the same strict formula of striving for a balance between surface, colour, line and form. His work is characterised by his use of the ‘shaped canvas’. The artist, however, regards his works as paintings rather than objects, even though he claims not to be interested in painting techniques. Mangold starts each of his works by drawing quick sketches, in which he makes the most important decisions intuitively. The best ideas are developed on a larger scale, in graphite and pastel on paper, after which several versions are created on canvas. In pencil on the shaped canvas, he creates a grid structure, which he uses to draw the thicker lines: ovals, waves, scrolls and circles. The lines appear mathematical in the precision of their execution, but from close up you can see that they are drawn by hand, over and over again until the right thickness has been achieved. The element of line – linear configurations drawn in pencil – is as important in his work as colour. To emphasise this, Mangold opted for the visible pencil line rather than the line drawn in the paint layer, in which the line is part of the paint and not an autonomous form. In his early works, the linear image was determined only by the dividing line between the panels. Although colours play an important role, they are inconspicuous and neutral, and expressly in balance with the shape of the canvas. In order to restrict the personal touch as far as possible, the paint is usually applied with a roller in several thin layers.

Although Mangold’s works can be taken in at a glance (something the artist aims for), they only fully reveal themselves on longer contemplation. There is a paradox between what is there and what is not there, and a role is also played by the remaining space between the panels and the recesses.

Robert Mangold

Bruce Nauman

1941 Fort Wayne (IN) – Galisteo (NM)

Bruce Nauman is one of today’s most important artists. Early on, he abandoned painting and began a restless investigation into the possibilities of sculpture, performance, installations, film, video, photography and neon for his work. Ideas from other disciplines, like literature, dance, music and theatre were to play an increasingly important role in his art. Nauman was a pioneer in the field of video art. The series of early videos from the 1960s, in which he filmed himself carrying out absurd and pointless exercises in his studio, are considered particularly ground-breaking. He has never imposed any limitations on himself, executing every idea in the most suitable medium and always searching for new visual possibilities. Right from the start, Nauman investigated serious themes like the human condition, and his work plays with language, humour, irony and meaning or contradiction.

For the neons, Bruce Nauman made sketches in pencil, charcoal and watercolour. For the figures, he used the outlines of the bodies of himself and his wife. The double outlines in different colours indicate where neon is to be used, and the layered figures indicate how they will appear when the neon flashes on and off. The primary colours red, yellow and blue are used for the male figures, while the female figures are represented in softer shades like pink, green and orange. The timing of the sequences is very important and is fixed and repeated in a continual loop, each figure having its own individual programme.

Though neon light is immaterial, it draws attention immediately, completely dominating its environment and attracting through its warm glow and intense colours. The same applies to Nauman’s neons, despite the unsettling message they convey. Conflicting signals are given simultaneously in a deliberate attempt to arouse confusion and unease in the viewer.

Bruce Nauman

Richard Serra

1939 San Francisco (CA) – New York City (NY)

Serra’s drawings are not sketches for his sculptures, but autonomous works of art. Although he has been drawing since 1972, his first solo exhibition only came in 1974, at the Leo Castelli Gallery in New York. Originally, he worked in charcoal, but switched to paintstick from 1973. He developed his own procedure for making large blocks of paintstick (a mix of oil pastel, tar, beeswax and resin), which enabled him to work large surface areas with a single movement. It is a heavy, physical, repetitive way of working, in which the linen or paper is covered with the paintstick. Besides physical strength, it also demands great concentration. The layers are applied from the centre; first horizontally and then vertically, crosswise, until the black has enough absorption and the structure of the linen becomes visible. This material quality allows people to experience his drawings as an object rather than as a flat surface, which is what they actually are.

Unlike colour, which reflects light, black absorbs light and therefore gains weight and gravity. This affects people’s physical experience on entering a room where Serra’s works are installed. The heaviness of the black areas affects the perception of scale, and of the interplay of lines and the specific shape of the linen.

At his big exhibition of drawings at the Bonnefantenmuseum in 1990, Serra remarked, “The only way you can place a weight within the confines of a given space is by defining the form of the drawing in direct relation to the floor, wall, corner or ceiling of the room. In this way, a space or location can be marked out within the architectural framework that differs from the architectural intention. The black installations have succeeded only when they have brought about a change in the architecture on the flat surface. In doing so, illusionist strategies must be avoided. The black shapes, which function as weights within a given architectural space, create new spaces and locations within this space, resulting in a dislocation of spatial experience”.

Richard Serra is known mainly for his large-scale sculptures in Cor-ten steel, which are constructed in such a way as to sound out the limits of the laws of gravity.

Richard Serra

Gideon Kiefer à la Galerie Geukens&De Vil

2011-09-25T11:35:00.000-07:00

Gideon Kiefer (°Belgium 1970) is an artist for our era. He borrows ordinary images, adapts them, puts a tag on them and returns them to a larger whole. All these seemingly trivial snapshots together form his personal network. The person at work here is meticulously mapping out his world. A collector who indulges his obsession with considerable love. A seismograph recording the vibrations of our hectic existence. But also a commentator who carefully chooses his arguments and does not shy away from harsh conclusions. Modern European art has always had this cerebral element, also in a negative sense. As a result, the urge to understand has sometimes become an excuse for creating a new world, more as a way out than to put the seal on creative freedom. Kiefer tackles things in a completely different way.

Gideon Kiefer,The vault think tank

Gideon Kiefer,Great Expectations

Gideon Kiefer,The world above Ground is Unstable

exposition à la Galerie Geukens & De Vil,du 9 septembre au 8 octobre 2011,Pourbusstraat 19,Antwerpen.

ORTO Tape Art

2011-09-20T12:46:00.000-07:00

Jury Juin 2011: quatrième année

2011-09-20T12:15:00.000-07:00

Benjamin Pierard

Mayte Alonso Ortega

Valeria Mendez

Mayte Alonso Ortega

Benjamin Pierard

Jury juin 2011: troisième année

2011-09-20T11:57:00.000-07:00

Jose Lema

Thomas Delannay

Mehdi

Belinda Macri

Maxime Duriez

Pauline Cappoen

Pierre-Louis Collet

Leslie Saint-Paul

Anthony Bourlard

Jury de juin 2011: deuxième année

2011-09-20T10:49:00.001-07:00

Kevin Lourenço

Nina Kampmann

Manon Paquet

Ambre Gabriels

Aude Fauconnier

Yolène Lecharlier

Edwina Hoyois

Jury de juin 2011: première année

2011-09-11T01:18:00.000-07:00

Elodie Botquin,Nausicaa Bourgeois

Sybille Rohart

Pascale Wasquez

Marie Anino

Sanne Jacobs

Pauline Ascone

Elodie Botquin

Nausicaa Bourgeois

Anne Gillis

Caroline Merlo

Katia Van Hecke

Sanne Jacobs

Géographies du dessin

2011-05-04T10:09:00.000-07:00

Qubo Gas, aquarelle et feutres

Gilles Balmet, Julien Berthier, François Dezeuze, Vidya Gastaldon, Benjamin Hochart, Olivier Nottellet, QUBO GAS, Jean-Jacques Rullier, Stéphane Sautour, Catharina Van Eetvelde

Stéphane Sautour,charbon sur papier marouflé

Ce projet d’exposition est le troisième volet d’une série d’expositions consacrées au dessin contemporain au Musée Régional d’Art Contemporain à Sérignan. Après « Comic Strip » en 2009 qui abordait la question du dessin narratif puis « Architecture en lignes » en 2010 qui interrogeait les relations entre le dessin et l’architecture, cette exposition au printemps 2011 va rassembler des artistes qui inspectent les territoire du dessin.

« Géographies du dessin » rassemble plusieurs artistes, pour qui le dessin n'est souvent qu'un médium parmi d'autres, qui explorent le genre du paysage. Retranscrire des trajets, reconstruire l’expérience vécue lors de voyages, proposer des errances à travers des zones inconnues, inventer des cartographies nouvelles, retranscrire des phénomènes atmosphériques ou paysagers, ces artistes transforment notre perception du réel. Une façon de redessiner le monde.

Le visiteur avec cette exposition est invité à se déplacer dans les territoires du dessin, ses frontières et ses limites toujours repoussées par ces artistes qui inventent leur propre grammaire de l'insaisissable.

Gilles Balmet,lavis d'encre +peinture à la bombe

du 20 mars au 12 juin 2011

Musée Régional d'art contemporain Languedoc-Roussillon

Le contrat du dessinateur

2011-04-06T00:46:00.000-07:00

un journal - gratuit - sur le dessin contemporain sous toutes ses formes

Camille Tsvetoukhine

A l’occasion du dernier numéro de particules édité par monografik editions, nous en profitons pour lancer un nouveau journal, gratuit, sur le dessin contemporain. Depuis maintenant plusieurs années, ce médium n’est plus cantonné à son simple rôle académique d’enregistrement analogique du monde. Le dessin contemporain a obtenu son autonomie grâce à sa démultiplication.Artiste, auteur de bande dessinée, architecte, designer, musicien… prendront place dans LCDD de manière égale. Ainsi nous restons fidèle à la ligne éditoriale de monografik : le mélange des disciplines au service du projet artistique.

Christophe Le Gac, rédacteur en chef

christophe@le-gac-press.com

Marie de Geuser

le-gac@lecontratdudessinateur.com
webmaster@lecontratdudessinateur.com

Galerie ALFA à Paris

2011-04-04T02:51:00.000-07:00

DESSINS XIXe ET XXe SIÈCLES

La galerie A.L.F.A. est exclusivement dédiée au dessin, (au sens large comprenant aquarelles, gouaches et pastels). Elle est dirigée par Aude Lamorelle qui, juste après sa maîtrise d'histoire de l'art, l'a ouverte en 2002 à Saint-Germain des Prés, et l'a développée jusqu'au niveau qu'elle a atteint aujourd'hui dans le domaine du dessin moderne. Elle participe à la Biennale des Antiquaires de Paris (Grand Palais), l'Armory Show (New York) et au Salon du Dessin Contemporain (Paris)

Alberto Giacometti

Edouard Vuillard

DESSINS CONTEMPORAIN

Aude Lamorelle qui, parallèlement à son activité dans le dessin moderne, collectionne le dessin contemporain, décide en 2008 de mettre son expérience au service de jeunes artistes. A.L.F.A. développe alors un programme qui s'ouvre à des dessinateurs n'ayant encore jamais eu d'exposition personnelle en France, ou pour lesquels il s'agit d'une toute première exposition. Des oeuvres d'artistes déjà bien représentés sont également disponibles à la galerie. Ceux dont le mode d'expression privilégié est le dessin sont particulièrement recherchés. A.L.F.A. montre aussi le travail graphique de peintres, de sculpteurs et d'artistes employant d'autres media, surtout si leur oeuvre «fait sens», témoigne d'un engagement, ou trace la carte d'une géographie intérieure inédite.

Ricardo Lanzarini

POURQUOI LE DESSIN ?

Les collectionneurs de dessins ont une relation très intense avec leurs oeuvres qui provient en partie de la fragilité de celles-ci. Leur conservation exige des conditions particulières auxquels s'astreignent leurs transitoires dépositaires avec un soin jaloux. L'intimité qu'ils entretiennent avec elles est en rapport avec celle qui lie l'artiste à cette discipline. Le dessin est la chambre d'écho de la pensée, c'est dans sa spontanéité que l'on s'approche au plus près de la création. Avec lui se matérialise le premier jet de la conscience. Dans cette instantanéité réside l'identité stylistique de l'artiste. Celle-ci se donne à voir, brut, sans masque, et se reconnaît comme l'on distingue une écriture entre mille. « Ecrire et dessiner sont identiques en leur fond » disait Klee. Pour Ingres, il « est la probité de l'art ». La couleur n'y corrige pas les défauts du trait. Combien de « peintres de la couleur » en ont réaffirmé tout au long de leur carrière l'importance pour leur développement ? Un sculpteur tel que Giacometti l'a placé au coeur de ses préoccupations : « Si l'on maîtrisait vraiment le dessin, tout serait possible ». Rappelant ainsi, comme dans le mythe de Dibutade, que l'origine de l'art se trouve dans le dessin. Les oeuvres sur papier des artistes des XIXe et XXe siècles sont beaucoup plus nombreuses que leurs tableaux ou sculptures, ne serait-ce que parce que le dessin est la discipline la plus facile, matériellement, à pratiquer. Alors que les tableaux importants se sont raréfiés, les dessins offrent encore de nombreuses possibilités de belles découvertes. Le dessin affirme aujourd'hui son renouveau grâce aux artistes talentueux qui s'y adonnent en nombre, exclusivement ou non. Ceux-ci prouvent, s'il le fallait, que le dessin n'a pas souffert de modes d'expression plus spectaculaires et que la monumentalité d'une oeuvre n'est pas forcément une question de taille.

Patrizia Liguda

Galerie ALFA, 12 rue de l'Echaudé , 75006 Paris

Slick vous invite: Dessins Exquis

2011-04-04T02:00:00.000-07:00

CADAVRE EXQUIS - 1925

Ce jeu littéraire a été inventé à Paris vers 1925, au 54 rue du
Château, dans une maison où vivaient Marcel Duhamel, Jacques
Prévert et Yves Tanguy. Le principe de ce jeu était que chacun
des participants écrive à tour de rôle une partie d’une phrase,
dans l’ordre sujet-verbe-complément, sans savoir ce que le précédent
a écrit. La première phrase qui résulta et qui donna le
nom à ce jeu fut « Le cadavre - exquis - boira - le vin - nouveau. »

Il n’était au départ qu’une activité ludique, selon André Breton :
« Bien que, par mesure de défense, parfois, cette activité ait été
dite, par nous, «expérimentale», nous y cherchions avant tout
le divertissement. Ce que nous avons pu y découvrir d’enrichissant
sous le rapport de la connaissance n’est venu qu’ensuite. »
(Médium n° 2, 1954)

"Cadavre exquis"Victor Brauner,

Jacques Hérold,Violette Hérold,

Yves Tanguy et Raoul Ubac

CADAVRE EXQUIS - 2011

Laurent Boudier, critique d’art et commissaire d’exposition, a rassemblé
une 50aine d’artistes afin de réactualiser le principe du cadavre
exquis. Ce jeu exécuté alors entre amis, sur de petits formats, se transforme
en performance mêlant l’individuel et le collectif sur un support
monumental.

L’hôtel particulier situé 40 rue de Richelieu se transforme pendant dix
jours en un atelier pour une 50aine d’artistes qui se croiseront, échangerons
des idées ou au contraire se plongeront sur leur pan de papier.
Seul le résultat de cette performance artistique, le plus grand cadavre
exquis du monde, est visible par le public. Ainsi du cadavre exquis
reste la notion de collaboration autour d’un récit en devenir. Mais le
jeu collectif fait place à des jeux individuels rassemblait par la main
d’un commissaire d’exposition. Tandis que le dessin intime esquissé
sur un petit format se transforme en une imposante création.

"Someone ceux qui n'ont 20 mars leur planète"Bertrand Planes,

Jean-Pierre Chabassier,Barbara Kîmmel etJulie Polidoro

"Prendre le trésor de la contre culture"Sylvain Ciavaldini,

Benjamin Levesque et Artus de Lavilleon

"Dans la chambre explosion des amoureux"Guillaume Liffran,

Chloe Julien et Barthélemy Toguo

Drawing Now Paris/Suite...

2011-04-04T01:52:00.000-07:00

19 galeries donnent carte blanche à un artiste pour investir un lieu unique et éphémère afin de sortir le dessin contemporain de son cadre! Wall-drawing, vidéo, dessin monumental,installation, numérique...

Réginne Kolle /Galerie Olivier Robert

Raphaëlle Ricol/Galerie Polad-Hardouin

Davor Vrankic/Galerie Alfa

Charlotte Dunker au Salon de dessin contemporain à Paris

2011-04-04T01:42:00.000-07:00

vue du Salon de dessin contemporain

DRAWING NOW PARIS l LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN est la première foire européenne exclusivement consacrée au dessin contemporain à rassembler près de 70 galeries internationales.

Pendant quatre jours, collectionneurs, conservateurs, professionnels et amateurs d’art sont invités à rencontrer des artistes et des galeristes passionnés qui leur feront découvrir la diversité du dessin contemporain aujourd'hui à travers les oeuvres d'artistes émergents ou reconnus.

chez la Galerie Pierre Hallet de Bruxelles

Charlotte Dunker,crayon

Un aperçu de jury de janvier

2011-02-15T13:15:00.000-08:00

Yolène Lecharlier

Pauline Cappoen

Pauline Marlier

Maxime Duriez

Nina Kampmann

Christopher Gerardy

Mayte Alonso Ortega

Mehdi Benouahab

Caroline Merlo

Anthony Bourlard

Thomas Delannay

Joy Junjappu

Pierre-Louis Collet

Leslie Saint-Paul

Pauline Ascone

Edwina Hoyois

Ambre Gabriels

Aude Fauconnier

Kevin Lourenco

Manon Paquet

Belinda Macri

Benjamin Pierard

Katia Van Hecke

Sybille Rohart

Anne Gillis

Julie Goussot

Temps vécu

2011-02-15T10:09:00.000-08:00

Camille Ukrainiec

Oeuvre dessinée, gravure et lithographies de Camille Ukrainiec et Loïc Desroeux

du 12 février au 06 mars chez Gallery Twilightzone, Tournai

Donner à voir l'écho d'un instant vécu, raviver la profondeur des moments portés par les empreintes figées du passé, découvrir couche après couche la trace émouvante du temps qui passe.Camille Ukrainiec et Loïc Desroeux, deux étudiants sortants de l'Académie des Beaux-Arts de Tournai confrontent ici leurs réalisations.Semblables à des archéologues, ils fouillent parmi les souvenirs immobiles, scrutent la mémoire des corps pour en dégager, d'un geste précis et prudent, les vestiges toujours fragiles des êtres confrontés au passage du temps.

Loïc Desroeux

Le processus créatif mis en jeu par Camille Ukrainiec au travers de ses dessins, gravures et animations, la conduit au dévoilement pudique d'un temps vécu, à l'exploration d'une intimité oubliée au travers de photographies anciennes ou d'imageries au caractère suranné.EN les soumettant de nouveau à notre regard, le travaille de Camille témoigne d'une tentative désespérée de ranimer - de redonner vie- à ce que le passage du temps dégrade inexorablement : autant la photographie en tant qu'objet que la profondeur cachée des souvenirs et des émotions intimes que porte celle-ci.

Camille Ukrainiec

Au travers de ses dessins au crayon, de ses aquarelles ou encore, de ses lithographies, Loïc Desroeux ravive à nos yeux les effets délétères du temps sur les corps : décomposition, décharnement, transparence et effacement des corps jusqu'à ne plus faire apparaître que des fragments...Mais ses dessins ne portent aucune morbidité complaisante.Au contraire, sous les chairs rosées et presque translucides, se devinent les pulsations de la vie ...

Loïc Desroeux

Colloque international consacré au dessin

2011-02-14T13:54:00.000-08:00

“Le dessin”

25, 26 et 27 février 2011

Dans le cadre de l’exposition“Drawing in an Expanded Field”

300 ans de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles et 30 ans de l’atelier de dessin

à De Markten, 5 Oude Graanmarkt / Place du Vieux Marché aux Grains, 1000 Brussels

__________________________

Vendredi 25 février 2011

10 h.

Philip Armstrong (The Ohio State University) : Show Through

Laura Lisbon (The Ohio State University) : Drawing/Set-up/Ground

14 h.

Michael Schwab (Royal College of Art, London et University of the Arts, Berne) :

Drawing the Transbody

Raphaël Pirenne (Université Catholique de Louvain) : Signe, signature et contresignature.

Notes sur le cubisme de Braque et de Picasso entre 1907 et 1914

Hans M. De Wolf (Vrije Universiteit Brussel) : La poésie de la précision. Quelques

dessins quasi exacts de Marcel Duchamp.

__________________________

Samedi 26 février 2011

10 h.

Jean Arnaud (Université de Provence) : Le dessin saturé

Pierre Baumann (Université de Bordeaux 3) : Drawing, carve, bore and be bored

(communication en français)

14 h.

Sylvie Pic (artiste) : Ce que le dessin me permet, "Ce que

je n'ai pas dessiné, je ne l'ai pas vu".

Carine Krecké et Elisabeth Krecké (artistes, Université Aix-Marseille III) :

Le retrait du trait

Michel Guérin (Université de Provence) : L’intention plastique

__________________________

Dimanche 27 février 2011

10 h.

Cédric Loire (critique d’art, commissaire d’expositions, doctorant en histoire de l’art

et enseignant) : Ligne de fuite, lignes de coupe. À propos du dessin dans l'oeuvre

de Catherine Melin

Tristan Trémeau (Ecole supérieure d’art de Quimper et Académie royale des Beaux-

Arts de Bruxelles) : Des oeuvres sans repos. Au sujet de Bernard Guerbadot

(1948-2005)

14 h.

Chakè Matossian (Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles) : Gribouiller, griffonner

: le dessin à l'oeuvre

Jackie Pigeaud (Université de Nantes) : Le geste

Raphaël Decoster a exposé

2011-02-14T13:40:00.000-08:00

Les dompteurs de Papier et Heureux les Cailloux ont organisé un événement autour du trait.

Raphaël Decoster était invité à exposer ses lithographies

Raphaël Decoster

The power of drawing

2011-01-08T12:46:00.000-08:00

Gideon Kiefer

exposition à la galerie Geukens&De Vil, Pourbusstraat 19, 2000 Antwerpen

de dessins de 62 artistes belges

du 9 décembre 2010 à 22 janvier 2011

Rik De Boe

"In een tekening kan alles"

Eric Rinckhout

"Une ligne active qui se promène, se déplace librement, sans but."

Paul Klee

Le dessin n'a jamais été déclaré mort, comme le fut la peinture.

Cependant, nombre de conservateurs et de critiques trouvent-ils le dessin si négligeable qu'ils ne veulent même pas en parler ? Ou pensent-ils que le dessin est depuis longtemps mort de mort naturelle ?

Dans le début des années nonante on a vu les tableaux réapparaitre. Bien sûr, les peintres étaient toujours là et continuaient à peindre. Et nul ne devrait ralentir l’art dans les grandes institutions.

Sous l'impulsion, entre autres de Gerhard Richter, Luc Tuymans et Marlene Dumas ont montré que la peinture est un milieu complexe qui prenait l'histoire récente, les nouveaux médias, la mémoire, la photographie et l’imagerie comme sujets.

Presque imperceptiblement, le dessin a relevé la tête dans le silence et sans cérémonie.

Les artistes ont toujours su garder en vie le dessin, mais c'est seulement ces dernières années que le dessin est redevenu digne d’attention et que les expositions, les galeries, le marché et les enchères lui montre de l’intérêt.

Il y a ainsi plusieurs raisons à l'appel et au succès actuel du dessin. ..

( la suite du texte se trouve sur le site de la galerie)

Francis Alys

Drawing Documents in Extra City,Kunsthal Antwerpen

2010-12-08T10:17:00.000-08:00

Rinus Van de Velde

Drawing Documents presents recent artistic projects that explore the medium of the drawing in its relation to memory and the representation of history. Parallel to the widespread current artistic concern with history that focuses on the politics of historical narratives, and the ambiguity of photographic or filmic documents, a renewed interest has emerged in drawing as a means of recording reality and relating to past events. Found somewhere between the genres of history painting, writing, and visual documents such as photography and film, the medium presents unique possibilities and asks particular questions concerning the reception of reality and historiography.

Drawing Documents explores how drawing establishes new relations between the imaginative and the evidentiary. The works bridge the visible and invisible, image and text, subjective desire and inscriptions of the real, authorship and witnessing, individual and collective memories, imaginaries and experiences. Drawings, this exhibition suggests, create a distinctive space that allows us to survey the condition of historical consciousness, particularly in relation to the image-economies of present-day mass media.

For Drawing Documents, Rinus Van de Velde creates a new series of wall drawings. Over the past years, Van de Velde has used a vast personal collection of images as templates for his drawings, combining them with textual fragments that introduce subjective experience into fragmentary narrative scenographies. Although the artist has long been working with a fictional Alter Ego, he has recently begun to approach historical figures and enter into an imaginary conversation with them through his work. Christine Meisner works both in film and drawing. Her work is based on extensive historical research and traveling, which is then cast into the form of essayistic video-works and series of deviated drawings. In the new works presented in this exhibition, she focuses on the history of slavery in the United States, creating topographic maps that explore fugitive routes and communication systems based on specific literary accounts. In his practice of painting and drawing, Xisco Mensua refers to poetic, literary and philosophic sources from the twentieth century, creating tableaus that mobilize transient layers of the historical imagination. Musician and cartoonist Peter Blegvad will be represented with his long-term project Imagined, Observed & Remembered, a series of what he calls comparative drawings, conceived as an inquiry into the role of the “mind's eye”. Here particular illustrations and objects are depicted first as imagined, then based on actual observation, and after a period of time, once again from memory. Ivan Grubanov presents a new series of drawings and paintings. In his work, Grubanov explores political historiography and puts to the test what specific modes of representation, such as the monument, contain, thus traversing the distance between official and personal histories. Florian Zeyfang’s Transmission Attempts is the only video-work in the exhibition. The black and white animation is based on a montage of scenes from films by Harun Farocki/Andrej Ujica, Jean-Luc Godard/Jean-Pierre Gorin and Jean-Marie Straub/Danièle Huilliet.

19 November 2010 – 6 February 2011

Extra City, Kunsthal Antwerpen
Tulpstraat 79, BE-2060 Antwerp

Anthony Gormley: Drawing Space

2010-12-06T10:28:00.000-08:00

Currently at the Museo d’Arte Contemporanea Roma (MACRO) until February 6, 2011 is an exhibition entitled Drawing Space. In the exhibition, artist Antony Gormley displays what appears to be an evolution of his artworks on paper. He also explores the relationship between his drawings have with the development of his sculptures. The show presents drawings and sculptures which demonstrate how line has migrated from the surface of the paper to physical architectural space.

The exhibition shows Gormley’s drawings from 1981 which are very diagrammatic. The artist created these drawings with black oil paint and charcoal, and then pinned paper to the wall. The exhibition then continues with the night landscapes of the 1990s, and concludes with the most recent linear works.

One particular piece that stands out and did a successful job with representing the concept of is entitled “Mansion”. The artwork is a visual metaphor for the interconnectivity of lines in a mundane drawing or sketch with an actual structure. Although the viewer sees a mere drawing and not a tangible sculpture, we can conclude that both a three dimensional (sculpture) and two dimensional (sketch) are present in “Mansion”.

When we look at the piece we can see that inside of the larger human being there is smaller individual. This inner human may serve as symbolic icon of a two-dimensional sketch; the smaller idea. The larger human represent the actual sculpture as the big idea that could not have existed without a blue print of the smaller idea (the sketch). In vice versa, the correlation between line and space is also vivid in these piece in the way that one cannot sketch a sculpture if the does not exist, and one cannot make such an accurate sculpture without the pre-planning of a sketch. Both three dimensional physical space and flat two dimensional surface space rely on each other in order to create some sort of final artwork.

Another work of art that also complies with the artist’s theme of the migration of line to a physical space from flat surface can be seen in the photo below. At first glance, the sculpture can be described as what appears to be static. There is no clear indication that helps the viewer decipher the image of the sculpture.

However, through a closer look at the structure we can see that there are smaller rectangular objects that contribute to the entirety of sculpture. While the overall contour of the sculpture itself is in a way robust, the details that contribute and make up the sculpture are very linear. Without the linearity of the details the sculpture would not exist in three dimensional space. Through this work of art Gormley provokes the idea that lines gain a sense of relief and freedom away from the weight of description. In other words, line is detached from the burden of having to create a clear description of a recognizable image. Furthermore, the linear qualities of the sculpture create an energetic atmosphere which gives life to the sculpture and helps activate the viewer’s recognition of space.

26 October 2010 - 6 February 2011

au Macro à Rome

Ensor et l'art contemporain

2010-12-01T09:44:00.000-08:00

Le Musée des Beaux-Arts de Gand et le S.M.A.K. présentent ensemble l’exposition 'Hareng Saur: Ensor et l’art contemporain'. Cette exposition s’inscrit dans le cadre d’une série de manifestations, tant en Belgique qu’à l’étranger, en l’honneur du 150e anniversaire de la naissance de James Ensor (1860-1949). Elle se distingue en associant l’œuvre d’Ensor à celles d’artistes contemporains.

Hareng Saur: Ensor et l’art contemporain constitue une nouvelle étape dans l’approche de l’œuvre de James Ensor. L’exposition montre que l’art d’Ensor a gardé toute son actualité sur la scène artistique actuelle. Ensor, extrait de son contexte historique, est considéré comme un artiste intemporel, dont les thèmes et la technique sont très proches des pratiques de bon nombre d’artistes contemporains. Les sujets et les points de vue d’Ensor sont donc toujours d’actualité en ce début de vingt et unième siècle. Des thèmes comme le masque et le grotesque, la critique sociale, l’autoportrait, l’identification au Christ, la foule, la satire et la mort n’ont en effet rien perdu de leur portée dans l’art d’aujourd’hui. L’exposition établit des liens inattendus et montre qu’Ensor a cherché à travers son œuvre visionnaire à atteindre un objectif visé par quantité d’artistes actuels.

Outre une large sélection d’ œuvres d’Ensor (tableaux, dessins et gravures), l’exposition regroupe le travail d’artistes qui se réclament ou non d’Ensor, sous forme de tableaux, sculptures, vidéos, installations, performances, dessins...

L’univers plastique d’Ensor est ainsi relié à celui d’Eija-Liisa Ahtila, Francis Alÿs, Huma Bhabha, Jake & Dinos Chapman, George Condo, Thierry De Cordier, Marlene Dumas, Thomas Hirschhorn, Tomasz Kowalski, Jonathan Meese, Bruce Nauman, Ugo Rondinone, Dana Schutz, Cindy Sherman, Raymond Pettibon, Thomas Schütte, Thomas Zipp…

Marlene Dumas

période: 31.10.2010... 27.02.2011

on LINE

2010-12-01T09:03:00.000-08:00

Drawing through the twentieth century

exhibition in MOMA, November 21,2010-February 7, 2011

Drawing conventionally has been associated with pen, pencil, and paper, but artists have drawn lines on walls, earth, ceramics, fabric, film, and computer screens, with tools ranging from sticks to scrapers to pixels. Looking beyond institutional definitions of the medium, On Line (on view from November 21, 2010 to February 7, 2011) argues for an expanded history of drawing that moves off the page into space and time. Comprising the work of more than one hundred artists, the exhibition charts the radical transformation of the medium between 1910 and 2010, as artists broke down drawing to its core elements, making line the subject of intense exploration: as the path of a moving point or a human body in motion (the dancer tracing dynamic lines across the stage, the wandering artist tracing lines across the land), as an element in a network, and as a boundary—political, cultural, or social.

On Line is organized chronologically in three sections: Surface Tension, featuring the artistic drive to construct and represent movement through line within the flat picture plane; Line Extension, composed of works in which lines extend beyond flatness into real space—that is, into social space; and Confluence, presenting works in which line and background are fused, giving greater significance to the space between lines. In following the development of the meaning of line over the last one hundred years, the exhibition traces it in movement, across disciplines, and as it has been drawn out and rewoven in time and space—inevitably reflecting the interconnection and interdependency that are increasingly both shaping and emerging from a globalized society. Line, like thought, once understood as linear and progressive, has evolved into a kind of network: fluid, simultaneous, indefinite, and open.

Supakitch & Koralie

2010-11-30T12:44:00.000-08:00

SUPAKITCH & KORALIE - VÄRLDSKULTUR MUSEET GÖTEBORG from elr°y on Vimeo.

Sandra Vasquez de la Horra au Bonnenfantenmuseum,Maastricht

2010-10-18T06:10:00.000-07:00

Sandra Vásquez de la Horra is her name. She has Chilean nationality but has been living in Düsseldorf since 1995. Her work is 'modest'. It is small-scale and concerns drawings. But, good heavens – when she hangs those drawings on the wall! Then they become part of a greater whole; a chain that can stretch over the entire wall. Her world is populated by bidden and unbidden guests. She welcomes them in, without respect to persons. It must be said, however, that once they are caught in her net, there is no escape. Everything and everybody is 'sealed' beneath a thin layer of beeswax, which is applied over all the drawings. Something that was initially fluid and therefore malleable suddenly appears unmanageable; in readiness for eternity.

Sandra Vásquez de la Horra's cultured and sophisticated art, while thrusting its roots down into South American origins, is nurtured by a rich and varied visual culture as well as an in-depth knowledge of European and South-American literature, philosophy and anthropology. Italian culture left a deep-seated mark on her; its great classical authors, such as Dante, and its artists and architects –Leonardo da Vinci, Michaelangelo, and Palladio – figure among her references. She read André Breton, Tristan Tzara, Charles Baudelaire and Arthur Rimbaud, and particularly liked Paul Eluard. She later discovered North American literature, Walt Whitman, and the writers of the beat generation: Allen Ginsberg, Gregory Corso, Lawrence Ferlinghetti and, later, Jack Kerouac.

Sandra Vásquez de la Horra always drew. Her radically figurative drawings are never "beautiful" in the classic sense of the term. They have a rough, immediate quality, a sense of urgency to them. They feature many personal elements. Since 1997, the artist finishes her drawings by dipping them in wax. This treatment gives her work a unique materiality and endows the pencil line with ambiguous depth. The wax serves as a translucent skin, providing a patina to the drawing that transports it to another time.

The artist readily uses a variety of paper qualities and colours, and is particularly fond of accounting pads with columns marked by red lines. As a result she can use old paper, often of mediocre quality, which she enjoys rummaging around for at flea markets. Her line is fluid, firm and applied in an unbroken movement. The shapes are often filled in, as if "coloured in" in graphite, in a wide variety of greys and blacks, and sometimes, though rarely, set off by a touch of yellow, pink or red.

Each of her drawings is a work of art in its own right, telling a particular story and revealing a particular soul, but Vásquez de la Horra likes to arrange them to form large wall installations comprising up to a hundred pieces at times of a variety of sizes. The setup is temporary, susceptible to being modified for a given space. It requires an attentive gaze and an intuitive sense on the part of the artist to produce a narrative structure that is strictly speaking storyless yet imbued with a humour that is at once exuberant, baroque and filled with acuity.

Typography is widely present in Sandra Vásquez de la Horra's work. Many of her drawings combine figure and writing, with the latter changing the import of the picture. She likes to use capital letters, small and large, that she lays out as she wishes with no regard for correct grammatical breaks, thereby producing surprising words, charged with new meanings. Sometimes the artist allows the words to take up most of the space, dominating the motif and becoming the real subject of the drawing. It is tempting, in particular in the German context, to compare her way of working with language to that of the great masters of subversion of words and letters from the Dada period, Kurt Schwitters and Raoul Hausmann in particular.

In relation to her anthropological studies, myths and popular tales are at the centre of the artist's concerns and provide her with the subject of many drawings. Religion and sex are also major themes in her work. She takes up as subjects the Sacred Heart of Jesus, the Immaculate Conception, as well as saints, such as Lazarus and Sebastian. As for sex, it's treated very naturally and quite casually. Politics is also an important component in Vásquez de la Horra's world, although it tends to play a latent role.

Vásquez de la Horra also participates in the tradition of a great family of artists, one of whose ancestors are Goya and Redon. Some of her figures, particularly their faces, seem to be a discreet, vibrant tribute to the great 'master of blacks'. Like Redon, Vásquez de la Horra has a pronounced taste for the strange and the morbid. And like him, she has a predilection for skulls, hanged bodies, ghostly apparitions, and the figure of Saint Sebastian that Redon drew and painted often. She has managed nearly imperceptibly in her work to retranscribe this influence in her own pictorial idiom.

jusqu'au 24 octobre 2010

The more I draw

2010-10-17T12:49:00.000-07:00

Drawing as a Concept for the World

September, 5 2010 to February, 13 2011

Museum of Contemporary Art, Siegen

Constantin Luser

Sprawling fantastic worlds, fictitious maps, exuberant, comic-like picture stories, diagrams depicting the knowledge of the world, subconscious doodles that illustrate the soul’s inner workings: Drawing is a spontaneous, sweeping artistic medium through which myriad realities become unfurled. Drawing is also a medium that directly connects with our everyday experience: Every child draws, every adult scribbles regularly, draws up plans, sketches routes, attempts a portrait or simple chart.

On over 1,400 m² space our overview exhibition The More I Draw in the Museum of Contemporary Art Siegen highlights the tendencies in contemporary art drawing since the 1960s, focusing on the serial, narrative, descriptive, and mythologizing forms.

The exhibition showcases 41 international artists and aims at revealing the definitive role drawing plays in modern art, a role that was conceived by Conceptual Art, which discovered drawing as an original art medium and to a large extent helped to revaluate it through its conceptual traits.

Well-known artists‘ approaches are shown in an historical retrospective, such as by Joseph Beuys, Frédéric Bruly Bouabré or Cy Twombly, but also other important illustrators of the following generation, for example Anna Oppermann or Tomas Schmit, among others. A focal point of the exhibition is the actual practice of drawing, visualized by extensive groupings of works and drawing installations by contemporary artists such as Jorinde Voigt, Dan Perjovschi, or Alexander Roob, artists who have expanded drawing as an art form experimentally and through performance.

The artists of the exhibition (in chronological order): Joseph Beuys, Frédéric Bruly Bouabré, Cy Twombly, Gerhard Rühm, André Thomkins, Stanley Brouwn, Anna Oppermann, Hanne Darboven, Katharina Meldner, Tomas Schmit, Barbara Camilla Tucholski, Heinz Emigholz, Anne-Mie van Kerckhoven, Nanne Meyer, Peter Radelfinger, Silvia Bächli, Harald Falkenhagen, Joseph Grigely, Alexander Roob, Raymond Pettibon, Nedko Solakov, Mark Lammert, Dan Perjovschi, Johnny Miller, Dorothea Schulz, Tracey Emin, Claude Heath, Pia Linz, Hannes Kater, Pavel Pepperstein, Sandra Vásquez de la Horra, David Shrigley, Chloë Piene, Ryõko Aoki, Christelle Franc, Katrin Ströbel, Ralf Ziervogel, Constantin Luser, Dasha Shishkin, Jorinde Voigt and Mariusz Tarkawian.

An extensive catalogue will be published at the beginning of September. The catalogue will include an introductory essay by Eva Schmidt and an article by Michel Sauer, next to expositions on the artists and a commentated index by Jan-Philipp Fruehsorge on exhibitions, blogs, publications, etc. that are dedicated to drawing as a medium. Publisher: DuMont Buchverlag, Cologne.

Eraserhead in Fruehsorge Galerie,Berlin

2010-10-17T12:20:00.000-07:00

Jonathan Callan - Jürgen von Dückerhoff - Alex Hamilton - Bertram Hasenauer Christian Holstad - Hansjörg Schneider - Mark Sheinkman - John Sparagana

Inspiried by the exhibition If you melted, I would melt myself in to you at Patrick Heide Contemporary Art in London.

Erasing – wiping out – eliminating...

These are the techniques and terms that the artists presented in the exhibition Eraserhead are dealing with. Melting as a concept is here brought to the next level: to the point of the dissolution of the material. Through this process something new emerges. At the same time, nothing can be erased completely: The remains of the original objects are still present in the newly formed shapes: the traces left behind are still visible. The artists erase and transform the visuel information, and in doing so, they have to include the eliminated part in the concept of their new draft. Whatever emerges is thereby responding to the erased parts. In 1953, when Robert Rauschenberg was still at the beginning of his carrier, he asked Willem de Kooning if he would give one of his drawings to him, so he could erase it. In erasing art, Rauschenberg created his own art that gained its significance through the previous creation. An act of patricide and birth.

Erasing, sanding and eliminating are procedures that employ the materiality of the medium. New motifs emerge from the existing objects and at the same time the characteristics of the medium paper are being made visible: its vulnerability, its fragility, its evanescence.

Duration of the show: 10.09 – 23.10. 2010

Dessins Contemporains/Collection Florence&Daniel Guerlain

2010-09-12T11:12:00.000-07:00

Sandra Vasquez de la Horra

Le musée Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon accueille du 4 juin au 20 septembre 2010, une sélection d’environ 150 dessins contemporains issus de la Collection Florence et Daniel Guerlain.

Cette exposition s’inscrit dans la longue tradition des Arts graphiques du musée de Besançon. Avec plus de 6000 dessins, le Cabinet des Dessins de Besançon est l’un des plus riches de France. Très complète, la collection bisontine offre un panorama de l’art occidental du 14ème siècle à nos jours. Toutes les écoles y sont représentées, de la Renaissance au XXème siècle, des séries italiennes (Baroche, Carrache, Tiepolo) ou nordiques (Dürer, Rembrandt, Rubens) aux artistes français (Poussin, Vouet, Fragonard, Matisse, Renoir).

Cette exposition trouve ainsi toute sa place dans la lignée de ce prestigieux héritage. Comme Jacques Guerlain, célèbre parfumeur et grand-père de Daniel, qui admirait les Impressionnistes, Florence et Daniel Guerlain vivent avec l’art de leur temps. Collectionneurs depuis de nombreuses années, cette exposition est pour eux l’occasion de partager leur sens de l’art et leur goût pour l’art contemporain.

Seront présentées notamment des œuvres de Jean-Michel Alberola, Edouardo Arroyo, Silvia Bächli, Mark Brusse, Matt Bryans, Win Delvoye, Damien Deroubaix, Marlène Dumas, Richard Fauguet Jean-Olivier Hucleux, Guillermo Kuitca, Christian Lhopital, Erik van Lieshout, Robert Longo, Frédéric Loutz, Tony Oursler, Javier Perez, Carmen Perrin, Ernest Pignon-Ernest , Richard Prince, Markus Raetz, Alain Séchas, Kiki Smith, Hervé Télémaque, Tatiana Trouvé, ...La liste n’est pas close.

Catharina Van Eetvelde

Voici un dessin suisse(1990-2010)

2010-09-08T04:31:00.000-07:00

Le Musée Rath accueille Voici un dessin suisse (1990-2010), une exposition du Musée Jenisch de Vevey, réalisée en collaboration avec le Musée d’Art et d’histoire et le Fonds d’art contemporain de la Ville de Genève. La présentation réunit une quarantaine d’artistes, suisses ou vivant dans le pays, qui accordent au dessin une place privilégiée.

En Suisse, le dessin connaît depuis une bonne dizaine d’années un profond renouveau. Nous le voyons en effet s’affirmer comme un médium à part entière dans la plupart des manifestations d’art contemporain qui d’ailleurs multiplient les expositions consacrées à cette technique. Ses caractéristiques dépassent largement les traditionnelles catégories du trait, du contour, de la ligne, du tracé, du support papier. Sa présentation en outre ne se limite plus à un accrochage linéaire de feuillets encadrés sur des cimaises. Le dessin désormais se déploie dans des dimensions qui l’excèdent pour décliner sa nouvelle identité dans le cadre d’installations, d’interventions directes sur l’architecture du bâtiment, tout en s’alliant des technologies d’appoint comme la photographie, l’informatique, la vidéo, l’éclairage, le son. Dans des variations de gris, la scénographie de l’exposition, due à Karim Noureldin, offre tour à tour des espaces ouverts et plus intimistes où l’accrochage des œuvres se décline selon des agencements aléatoires, faisant alterner séries de dessins ou installations in situ et juxtaposant des travaux sur support papier avec d’autres recourrant à des techniques, matériaux et dimensions plus complexes et diversifiés. C’est précisément cette diversité de techniques et de mises en espace qui permettent de comprendre toute la richesse du dessin contemporain.

Les artistes sélectionnés travaillent le dessin depuis de nombreuses années, explorant chacun ce processus de création qui dévoile le cheminement de la pensée. Parmi ceux-ci, on trouve quelques personnalités largement reconnues sur la scène internationale ou nationale comme : Silvia Bächli, Yves Netzhammer, Ugo Rondinone, ayant représenté la Suisse à la Biennale de Venise, respectivement en 2009 et 2007. D’autres tels que : Marc Bauer, Alain Huck, Joëlle Flumet, Silvia Buonvicini, Robert Ireland, Jean Crotti, Didier Rittener, exposent régulièrement dans nombre de musées et galeries. Enfin le public peut également découvrir de nouveaux talents à l’image : d’Ingo Giezendanner, alias GRRR, Zilla Leutenegger, Genêt Mayor, huber.huber, Lordana Sperini.

Langages artistiques contemporains
L’utilisation de techniques telles que la mine de plomb, le fusain, le crayon, l’aquarelle, ou le recours à des genres traditionnels comme le paysage, le portrait, la nature morte, la scène de genre, ne signifient pas pour autant un retour à une forme d’académisme. En effet, tout en s’appuyant sur l’héritage graphique du passé, le dessin actuel s’ouvre désormais à une foule de langages artistiques contemporains (BD, street art, graphisme publicitaire, art naïf, dessin animé, dessin vectoriel), pour produire des œuvres hybrides, inattendues, surprenantes. Le meilleur exemple de cette évolution spectaculaire est certainement la proposition monumentale d’Ingo Giezendanner, alias GRRR, qui a réalisé une vaste composition murale, Sarajevo 2009, située à l’entrée de l’exposition, dans laquelle l’artiste conjugue avec brio l’esthétique de la BD, la peinture et la vidéo. L’œuvre représente et documente un environnement urbain avec l’idée de reproduire en très grand format le carnet de croquis intimiste que tout artiste digne de ce nom a l’habitude de tenir lors de ses périples ou randonnées en terres étrangères. Dépassant le cadre pittoresque du carnet de voyage, GRRRR invente une forme capable de suggérer les rythmes, flux et pulsations d’une scène urbaine.

Ingo Giezendanner

De son côté, le dessin formel et rigoureux de Joëlle Flumet transforme ses Scènes d’Aménagement du territoire en propositions hyperréalistes révélant des comportements et des espaces stéréotypés. La créatrice parvient à fondre dans un même continuum l’image et son support, ici une plaque d’aluminium, pour produire in fine une sorte d’objet domestique qui relève à la fois du catalogue publicitaire et du panneau décoratif. Enfin le travail d’Yves Netzhammer offre une approche volumétrique du dessin qui pour l’occasion se développe matériellement dans une portion de l’espace. L’installation de l’artiste donne corps à un univers mêlant la pesanteur objectale à la légèreté du trait, ses formes hybrides et surréalistes activent les facultés perceptives, entraînant une foule d’associations entre le monde de la réalité et celui de la représentation graphique.
Certes la présentation n’est pas exhaustive car l’idée directrice n’est pas de procéder à un inventaire des artistes oeuvrant dans cette même direction. L’exposition du Musée Rath a cependant le mérite de mettre en évidence l’essor du médium dessin sur la scène helvétique au cours de ces vingt dernières années.

Françoise-Hélène Brou

« Voici un dessin suisse 1990 –2010 ». Musée Rath, jusqu’au 15 août 2010. Place Neuve, Genève. www.ville-ge.ch/mah

Drawing Paper

2010-08-27T03:25:00.000-07:00

Penelope Davenport

Drawing Paper is a not for profit newspaper based publication concerned solely with drawing.

The purpose of this blog is to function as a supplement to the printed edition. We're keen to make it
rich in quality drawing based content so if you've got something interesting you'd like to share with us please send it to something@mikesstudio.co.uk (files should be JPEG's at 72dpi upto 2mb).

Please note, all submissions are subject to editorial control – some work is of more interest to us than others. Please refer to previous posts for an indicator of our preferences.

Drawing Paper was conceived and designed by Mike Carney and Jon Barraclough, Liverpool UK. www.drawing-paper.tumblr.com

Nouveau livre : Pen to paper

2010-08-23T06:19:00.000-07:00

Allyson Mellberg Taylor

Pen to Paper presents a fine selection of the most adventurous images from a global scene of artists, working mainly with a pen or analogue techniques such as water color, ink or collage.

This recent revival has injected immeasurable visual wealth into the world of illustration, fine art and especially character design. Artists reject the computer and channel their creativity through spontaneous freehand drawing to create untamed, edgy and exceptional beings.

With works by Allison Schulnik, Shoboshobo, Allyson Mellberg Taylor, John Casey, Luke Ramsey, Eric Shaw, Seth Scriver, Joey Haley, Mark DeLong, Kerozen and many more.

publishing,Pictoplasma

Luke Ramsey

Drawing time, le temps du dessin

2010-08-23T06:04:00.000-07:00

Trop souvent confinées aux « cabinets des dessins », les œuvres sur papier sont pourtant le reflet des manifestations premières de la pensée et de l’acte artistique. Le «chef-d’œuvre» naît de la feuille blanche, du trait, de la ligne, en un mot : du dessin.

C’est dans cet incroyable espace que sont les galeries Poirel que le dessin s’invite pour s’offrir dans une «re-présentation » inhabituelle. Jouant de l’effacement, du remplissage à outrance, ou de l’utilisation inventive de la rame de papier, les œuvres interrogent tour à tour l’espace et le temps, prenant ainsi parfois des proportions envahissantes. La spectaculaire installation de Gaylen Gerber, Backdrop (toile de fond), qui, comme son nom l’indique, a pour fonction de servir de fond à d’autres œuvres, crée un nouvel environnement, effaçant le contexte exclusif du mur blanc pour proposer une architecture flottante, redéfinissant ainsi notre perception des « dessins accrochés ».
L’ensemble des autres œuvres y est, en effet, disposé dans une logique de mise en danger où chacune peut tout aussi bien y trouver son écrin. Backdrop questionne alors à la fois le contexte de l’exposition, l’architecture mais aussi notre expérience de la temporalité et l’autonomie (ou non) de toute œuvre d’art.

Manifestation associée

Musée des Beaux arts de Nancy
Le dessin contemporain s’expose comme un questionnement et une source de plaisir. Pourquoi, dans un monde de technologies avancées et d’hypermédia, les artistes s’investissent-ils de plus en plus dans le dessin ? Cette exposition proposera quelques pistes qui lient tradition et expérimentation autour de la figuration.
Musée des Beaux-Arts de Nancy 3 place Stanislas

Galeries Poirel 3 rue Victor Poirel, Nancy Jusqu’au 16.08.2010 Tous les jours sauf le mardi et le 14.07, de 10:00 à 18:00.

Din A4 International Drawing Project

2010-08-23T04:43:00.000-07:00

Fia Cielen

Qu'est-ce que le projet DIN A4?

Le Projet DIN A4 est une collection d'oeuvres d'art contemporain réalisées sur le format imposé de A4 (les oeuvres peuvent cependant avoir été conçues au départ pour un autre format). Il s'agit d'oeuvres d'artistes émergents ou reconnus, et même d'oeuvres posthumes cédées par les exécutants.

Le format DIN A4 est le format original de courrier européen dont les sigles signifient Deutsches Institut für Normierung. Les dimensions du format A4 sont 210 x 297 mm.

Le format imposé aux oeuvres assure de lui même la pérennité du projet, par le simple fait qu'il réduit considérablement les inconvénients de stockage et de transport.

Un soin tout particulier a été apporté à l'organisation et l'équilibre des expositions. L'équilibre a toujours été gardé pour éviter de plonger les oeuvre dans un esprit de compétition, d'une part, et de l'autre, de submerger le visiteur d'un nombre trop important de travaux.

Le "Projet" a ainsi demandé aux artistes participants à travers le monde d'envoyer chacun deux oeuvres au format DIN A4.

Le but est d'encourager les artistes à se manifester et s'inscrire. Ce projet ne trouve son existence que par la coopération globale des artistes. La participation de chacun d'eux fait que le projet Din A4 est une représentation permanente de leurs aspirations, sensibilité et leur époque.

Toutes les oeuvres sélectionnées sont filmées ou photographiées sur CD ROM ou DVD et montrées alternatives au cours des expositions. Chacune d'elles est entreposée et montrée à la demande de visiteurs intéressés.

Grâce à ce concept de collection, nous espérons faire du Projet DIN A4 un miroir de l'art contemporain.

Etat du projet

Pour appréhender le projet DIN A4, il faut d'abord en saisir le concept. D'un coté, le projet contribue à créer une vitrine permanente de l'art contemporain dans une certaine globalité. De l'autre, il permet de constituer une collection permanente.

L'idée sous-jacente est aussi qu'en tant que projet participatif, l'artiste n'engage aucun frais ni coût, si ce n'est celui de l'oeuvre elle même et de son transport. Un effet d'émulation est créé avec le prestige croissant de la collection et de sa visibilité.

Le charme du projet en est aussi sa force: le format DIN A4 est un format commun à tous les carnets de croquis, blocs-note, scrapbooks etc... L'expédition est facilitée, de fait, par la correspondance de la taille des enveloppes. Mais, ce projet demeure profondément européen malgré l'intérêt qu'il suscite outre Atlantique... Qu'à cela ne tienne, les premiers artistes américains ont dû couper la taille de leurs papiers pour nous les envoyer. Et ils continuent de le faire aujourd'hui!

Le projet débuta aux Pays Bas, et grâce à l'enthousiasme de ses membres originels, son implication s'étendit très vite aux autres pays. Des artistes allemands montrèrent un vif intérêt et se joignirent au projet, suivis rapidement par des artistes belges, français, polonais, britanniques et des Balkans.

L'exposition de DIN A4, à deux reprises dans des manifestations espagnoles et une fois au Mexique donna l'impulsion à toute une vague d'artistes hispanophones qui s'ajoutèrent aux roumains et italiens. Ainsi, la réputation internationale de DIN A4 se consolida de plus belle.

Le projet DIN A4 s'est récemment centralisé sur Malaga, en Andalousie. Grâce à des idées nouvelles sans cesse apportées et à l'enthousiasme de ses fondateurs hollandais, nous sommes assurés que le projet continue de croître comme un moyen vital d'expression artistique. Il croit par le nombre d'artistes et d'oeuvres impliqués et par une visibilité internationale en permanente expansion.

Information pratique du projet DIN A4

Comment participer?

Envoyez deux oeuvres originales sur papier A4 (210x297mm) à:

DIN A4, Malaga on (Ernst Kraft / Verónica Romero)

C/. Caldedería Nº 7 - 4ª - 1

CP.29008 - Málaga - Espagne

(Tel. (0034). 678 743 491 or (0034) 619 85 19 34)

Envoyez vos travaux par courrier ou transporteur, soigneusement conditionnées accompagnées des information suivantes: adresse postale, email, background et expérience artistique, expositions, etc.

Envoyez aussi par email ces informations sur un document Word avec les photos de vos deux oeuvres, et éventuellement (mais hautement recommandé) une photo personnelle (type photo d'identité) et des autres photos de vos oeuvres significatives comme des toiles, sculptures, installations... à l'adresse suivante: dina4.ernst@gmail.com

Vous recevrez un accusé de réception par email et nous vous aviserons de l'avancée du projet à mesure que le projet avance.

Il y a un processus de sélection qualitatif des oeuvres afin de maintenir un certain niveau de qualité du projet global.

Les oeuvres sélectionnées sont la propriété du Projet DIN A4 pour la pérennité de ses activités culturelles non lucratives et sa publication sur internet.

Nous assurons une manipulation et un stockage professionnel des oeuvres.

Etant donnée la taille et l'échelle du projet, nous déclinons toute responsabilité quant à la perte ou la détérioration des oeuvres durant le transport, l'installation et autres circonstances imprévues.

Nous transmettons vos coordonnées, avec votre permission, aux visiteurs intéressés dans le but de vous contacter. Merci de nous stipuler par courrier si vous ne désirez pas que vos informations soient transmises.

En nous envoyant vos oeuvres, vous acceptez les conditions citées ci dessus dans leur entière globalité.

(Dans l'éventualité où vos travaux ne seraient pas retenus, nous vous les renvoyons à vos frais. Merci d'indiquer votre accord avec cette condition. )

http://www.dina4.org.es/inicio

Drawing Space in New York

2010-08-23T03:57:00.001-07:00

Kentler International Drawing Space, located in Red Hook, Brooklyn, is dedicated to bringing important and timely contemporary drawings and works on paper to the public by local, national and international artists, as part of the cultural fabric of the community. The Kentler Flatfiles, consisting of drawings and works on paper by over 160 artists, are available for viewing by curators, collectors and the general public by appointment. The Kentler gallery, founded by artists Florence Neal and Scott Pfaffman, opened its doors in April of 1990 and quickly became the focus of a burgeoning artists community in this historic, inspiring, yet challenging area of the New York City.

The gallery is located in a storefront space which faces Van Brunt Street, a busy commercial avenue. The building was built in 1877 by the Kentler family as a men's haberdashery which served the Brooklyn seaport business workers. Today the neighborhood is a lively mix of Black, Hispanic, Italian, and Irish families, public schools, parks, waterfront piers and churches. The gallery is especially accessible to the public, as its glass doors face a bus stop, attracting notice and visitors who would otherwise have little opportunity to meet artists or to see new works of art.

The gallery sponsors monthly and bi-monthly exhibitions featuring solo, group shows and installations by some of New York's most exciting emerging and under-recognized artists. Shows drawn from the international community have given travelling artists an opportunity to visit America and bring their work to a New York audience. An announcement card, a press release and photo or video documention accompanies each show. The gallery is open to the public Thursday, Friday, Saturday and Sunday from 12 - 5pm. Exhibition dates, hours, Artist /Curator talks and special events will be listed in our web site under current exhibition.

http://www.kentlergallery.org

C4RD :London's museum space for drawing

2010-08-23T03:13:00.000-07:00

Nick and Phill Goss

Drawing: imagination on line

Drawing as an approach is regaining the importance it once had as a way of thinking or acting that is fundamental to the human experience. It is being considered less as a particular use of materials or sub-activity of a particular discipline, and more as an approach discrete in itself.

C4RD’s purpose is to make space for drawing - to maintain the visibility of a characteristically humanist approach that is drawing - in the encouragement and refinement of understanding of drawing the arts and society at large can benefit. C4RD seeks to facilitate access and dialogue for current drawing practice independent of structural forces in commercial and institutional settings. Drawing defined as the exercise of the imagination on line reinforces drawing’s capacity as a performed analogy (mentally/manually) of the continuum that is human consciousness; two marks, as in mathematics, necessarily make a line.

Centre for Recent Drawing is London’s museum space for drawing. Since 2004 C4RD has provided a public exhibition space and exhibition series that is independent and non-commercial. C4RD is in the unique position of being able to provide a whole building dedicated to drawing - showing continuous exhibitions of a broad variety of drawing practice - and also be able to house residencies specifically for those for whom drawing is a core part of their practice. This is in addition to the C4RD web presence, the C4RD Community registry, publications (D4RD and Z4RD) and Online Residencies.

C4RD welcomes all those with a particular interest in drawing as a core experience from within and outside the arts. It seeks a balanced programme to present a broad variety of expansive possibilities in drawing. More information on our programmes is available on this website. C4RD is staffed and funded by the generosity of individuals and private and corporate donors, and is a UK Registered Charity and member of the Museums Association.

Andrew Hewish

Director

http://www.c4rd.org.uk

Drawing Spaces in Lisbon

2010-08-23T03:04:00.000-07:00

Drawing Spaces is a project space located at Fábrica Braço de Prata, in Lisbon, that seeks to promote investigative practices related to the subject of drawing. This project supports collaborations between artists and researchers from Portugal and artists and researchers from abroad. Drawing Spaces involves 22 artistic residencies and exhibitions; a series of lectures and debates; and various activities for art students and the general public related to the subject of drawing.

http://drawingspacesen.weebly.com

Portes ouvertes de l' Académie des Beaux-Arts : juin 2010

2010-08-09T13:17:00.000-07:00

ensemble de dessins

détail de l'ensemble

Manon Paquet

Leslie Saint-Paul

Raphaël Decoster

détail d'un travail de Ambre Gabriels

ensemble de dessins

détail de l'ensemble

Mehdi

Pauline Cappoen

Benjamin Pierard

Julie

Nouvelle revue : Collection

2010-08-09T12:56:00.000-07:00

Une revue autour du dessin contemporain

Collection est une revue qui présente le dessin sous de multiples formes, de l’art contemporain au graphisme en passant par la bande-dessinée, à travers le dialogue avec des artistes. Composée de dessinateurs, l’équipe de Collection ne propose ni un point de vue journalistique ni un point de vue critique, mais souhaite, sans aucune barrière de genres, défendre le dessin en laissant la parole à ceux qui en sont les acteurs.

Jury de juin 2010 : quatrième année,invité à la Galerie Twilight Zone

2010-08-05T02:07:00.001-07:00

Rémi Depreester

Loïc Desroeux

la Galerie Twilight Zone,vue sur le travail de Camille et Rémi

Camille Ukrainiec

lettre à Camille

lettre écrit par Camille

Jury de juin 2010 : troisième année

2010-08-05T01:44:00.001-07:00

Benjamin Pierard

Raphaël Decoster

Jury de juin 2010: deuxième année

2010-08-04T13:27:00.001-07:00

Thomas Delannay

Jose Lema

Olivier Lamailière

Pierre-Louis Collet

Anthony Bourlard

Belinda Macri

Leslie Saint-Paul

Pauline Cappoen

Mehdi

Jury de juin 2010 : première année

2010-08-04T06:14:00.000-07:00

Pierre-Alexis Ribstein

Ambre Gabriels

Jérôme Ugille

Aude Fauconnier

Christopher Gerardy

Kevin Lourenço

Manon Paquet

Julie

L'inventeur de l'Art du dessin : Boticelli

2010-08-04T03:56:00.001-07:00

De son vivant déjà, Botticelli a été considéré comme l'un des plus grands peintres de tous les temps, et cela parce que les Florentins eux-mêmes l'ont considéré comme l'enfant chéri des dieux. Cela veut donc dire que toute oeuvre de Botticelli était attendue et saluée par les Florentins. On parle de ses grandes peintures, le tondo de la Vierge du Magnificat dans la veine sacrée, la Naissance de Vénus ou le Printemps qu'on appelle profanes, on parle de tout cela mais on oublie de parler de ce qui sortait de ses mains pour être immédiatement l'objet d'admiration le plus formidable : les dessins. Il faut savoir, et c'est très important, que Botticelli est le premier artiste dont les dessins ont fait l'admiration des collectionneurs. Au 15e siècle, un dessin était en principe quelque chose qui préparait une peinture, après quoi on le jetait. Botticelli a donné ses lettres de noblesse au dessin parce que, dans le vrai dessin, il y avait quelque chose du miracle qui tombait de ses mains. Nous allons voir quelques dessins pour en admirer la maîtrise.

étude pour la Nativité mystique

étude pour l'Adoration des Mages

étude pour le Retable de Saint Barnabé

Nous constatons que du premier dessin au deuxième et du deuxième au troisième mais encore mieux du troisième au quatrième, le dessin de Botticelli devient de plus en plus un langage à part entière. On sent très bien que le premier et le deuxième sont peut-être encore des dessins préparatoires, mais qu'à partir du troisième et du quatrième, le dessin devient un art en soi. Une des choses très importantes dans l'apport de Botticelli à son siècle est d'avoir su inventer en quelque sorte la noblesse du dessin en tant qu'expression plastique. Et il fut d'ailleurs l'un des premiers à avoir offert des dessins.

Pomone

Admirable dessin rehaussé qui n'est ni une étude pour une peinture, ni une étude pour rien du tout, mais une Pomone dessinée à la sanguine avec rehaut de blanc qui a été offerte à Laurent le Magnifique comme une oeuvre à part entière.

Allégorie de l'Abondance

Quelque chose de l'admiration que nous avons aujourd'hui encore au 20e siècle pour le dessin, et quelque chose aussi de la ferveur des collectionneurs de dessins dans l'histoire même de la collection, c'est un peu à Sandro Botticelli qu'on le doit. Il est vrai que quand on est capable d'occuper une feuille avec à la fois autant d'évanescence et autant de sûreté de main, on pouvait être le père du dessin. Et il est très curieux que, sitôt après sa mort, on demandera à des faussaires de continuer à en faire, tellement on veut en avoir.

écrit de La Foundation Berger

Troisième prix pour Charlotte Dunker aux Musée des Beaux-Arts d'Anvers

2010-08-04T02:56:00.000-07:00

Muséé des Beaux-Arts d'Anvers

Charlotte Dunker a reçu le troisième prix pour ses portraits minuscules sur papier délicat,sensible et éphémère.

Charlotte Dunker

Benjamin Pierard, Camille Ukrainiec et Flora Hubot étaient lauréats du concours du portrait

Benjamin Pierard

Camille Ukrainiec

Flora Hubot

Hommage à l'art du dessin

2010-08-04T02:23:00.000-07:00

Une sélection de dessins de la Collection Frits Lugt

par Paul van der Eerden

complétée d’un choix de dessins contemporains

école moghole/gouache rehaussée d'or

L’artiste néerlandais Paul van der Eerden (Rotterdam, 1954) a procédé pour cette exposition à une

sélection de dessins de la Collection Frits Lugt, gérée par la Fondation Custodia. Il a complété cette

sélection par des dessins de quelques artistes contemporains internationaux émanant de diverses

collections néerlandaises ainsi que par ses propres créations. Il rend ainsi un hommage à la fois à la

Collection Frits Lugt, à la direction de Mària van Berge-Gerbaud et à l’art du dessin en général.

Depuis la fin des années quatre-vingt, l’oeuvre de Paul van der Eerden consiste essentiellement en

des dessins au stylo ou au crayon de couleur. Le fait de travailler de cette façon sur du papier lui

donne la possibilité d’exprimer ses sentiments de manière directe tout en gardant intacte sa spontanéité.

Le fil conducteur de la sélection de dessins effectuée par lui pour cette exposition n’est pas

tant celui de l’histoire de l’art que celui de l’intuition. Paul van der Eerden a tenté de trouver des

liens informels entre les dessins des vieux maîtres et ceux d’artistes contemporains. Il entend

notamment ainsi laisser voir que les artistes se débattent souvent avec les mêmes questions, et

ce à des siècles d’intervalle.

Les divers aspects qui fascinent Paul van der Eerden, la façon dont un artiste dispose ses personnages

dans un espace donné, la gestuelle et le mouvement sont mis en avant dans cette sélection.

Le choix de Paul van der Eerden ne coule pas souvent de source et sa sélection pour l’exposition

montre aussi des pièces de la Collection Frits Lugt qui sont moins souvent portées à la connaissance

du public : une miniature indienne schématique, l’envers d’un Avercamp, un Rembrandt hétérodoxe.

Dans la sélection figurent entre autres une dizaine de magnifiques dessins de l’école

italienne parmi lesquels quelques-uns datant du début du xve siècle. Ces derniers ont été pratiquement

tous rassemblés par Frits Lugt (1884-1970). Certains autres des dessins sélectionnés par Paul

van der Eerden, à l’instar des miniatures indiennes, ont été rajoutés à la collection après l’ère de

Frits Lugt par ses successeurs Carlos van Hasselt et Mària van Berge-Gerbaud.

Lorenzo di Credi, pointe de métal,lavis gris rehaussé de gouache blanche

Institut Néerlandais

Centre culturel des Pays-Bas
121, rue de Lille, 75007 Paris

FUKT : magazine for contemporary drawing

2010-05-11T10:11:00.000-07:00

What is FUKT?

FUKT is a magazine for contemporary drawing.

How long has FUKT been around?
Established in Trondheim 1999 and based in Berlin since 2001 .

By whom?
Nina Hemmingsson and Björn Hegardt are the founders.
Since 2004 is Björn Hegardt the sole editor of FUKT.

How often is FUKT published?
Usually annually

Can I subscribe to FUKT?
No.

Where can I buy FUKT?
Check under Contact to find out stores selling FUKT, or take contact with the distributor if you have a bookshop! The two latest issues you can also find by searching Amazon for example.
vice-versa-vertrieb.de
revolver-publishing.com
Usually I take oders directly also, but from May - August 2009 I am travelling and can just occasionally send mags. You can always ask! e-mail: fukt@fukt.de

I do great drawings. Can I contribute to FUKT?
Just send an e-mail to fukt@fukt.de with a link to a website or some samples of work (jpges, not too big). Even if I don't answer right away, I do check what you sent!

Italian Renaissance drawings : British Museum London

2010-05-11T09:41:00.000-07:00

Drawn from the two foremost collections in the field, this major exhibition features 100 exquisite drawings by Italian Renaissance artists including Raphael, Leonardo, Michelangelo and Verrocchio.

A unique collaboration between the Uffizi in Florence and the British Museum, the display charts the increasing importance of drawing during this period, featuring works by Leonardo da Vinci, Fra Angelico, Jacopo and Gentile Bellini, Botticelli, Carpaccio, Filippo Lippi, Mantegna, Michelangelo, Verrocchio and Titian.

In 15th-century Italy there was a fundamental shift in style and artistic thinking in the use of preparatory drawings. What began as a means of preserving artistic ideas became the ideal way to perfect more naturalistic forms and perspective – a new approach by painters, sculptors and architects.

Infrared and other technology used in conservation research provide fresh insights into how drawing allowed painters to experiment and explore with a freedom not always reflected in their finished works. Examples in the exhibition show the trend towards depiction of movement and expression of emotion, often inspired by classical antiquity.

This exhibition is a unique opportunity to discover the evolution of drawing which laid the foundations of the High Renaissance style of Michelangelo and Raphael.

Flore Dumortier, une ancienne étudiante expose

2010-05-11T08:44:00.000-07:00

Partenariat LES ENTRE-LACS de F-Villeneuve d’Ascq et art/terre de B-Comines-Warneton.

L’Atelier 2, avec le soutien de la Ville de Villeneuve d’Ascq, met sur pied un concours-événement sur le thème de l’eau intitulé Entre-Lacs.
La manifestation est prévue du 17 mai au 12 juin 2010.
L'appel à projets est à présent terminé et 12 projets ont été sélectionnés parmi les 90 candidatures reçues.

Le rapprochement d’Entre-Lacs et d’art/terre trouve sa source dans quelques convergences fondamentales :

une volonté d’appuyer les concours sur des spécificités locales nées de ressources naturelles : les lacs pour Villeneuve d’Ascq et les briqueteries pour Comines-Warneton
la sensibilisation à l’art contemporain par le rapprochement des publics et des artistes, non pas dans des espaces convenus tels musées ou galeries, mais dans des lieux de vie
et, par extension, le travail in situ, amenant ainsi les habitants et publics, par le biais d’espaces revisités et de questionnements, à regarder et à considérer leurs espaces de vie autrement.
Une volonté enfin de soutenir la création artistique par la diffusion et l’aide aux plasticiens dans la création d’installations in situ.

Une attention particulière a été apportée par les deux organisateurs pour que les deux manifestations offrent aux artistes des conditions similaires de travail et d’accueil.
L’appel à projets est également lancé en commun.

www.atelier-2.com

Concours Art du Portrait

2010-05-03T05:47:00.000-07:00

Benjamin Pierard

KoMASK 2010

Règlement du concours KoMASK -

Koninklijke Vereniging ter Aanmoediging der Schone

Kunsten – Sociéte Royale d’Encouragement des Beaux-

Arts organisé en 2010 à Anvers ayant comme sujet

LE PORTRAIT

Pour encourager l’art du portrait sur le plan national

KoMASK vzw organise un concours dans l’intention de

stimuler l’habilité créatrice du dessin des participants.

Dans cette optique tout procédé photographique ou

digital est exclu.

A part cela toutes techniques en deux dimensions

(dessin, peintutre, art grafique, ...) sont admises.

Une attention particulière sera réservée aussi bien à la

dite habilité qu’à la représentation d’aspects intérieurs

et aux solutions créatives découvertes par l’artiste.

Camille Ukrainiec

Sur 500 oeuvres 50 ont été selectionné

Charlotte Dunker, Camille Ukrainiec et Benjamin Pierard font parti .

Félicitations!

le vernissage aura lieu le mercredi 9 juin au Musée des Beaux-Arts d'Anvers

Venez nombreux!